Décadas após o seu início, o conceito de música indie está mais matizado do que nunca. Antes definido pela independência das grandes gravadoras, o “indie” agora representa uma filosofia criativa – onde os artistas adotam a produção DIY, ferramentas digitais e envolvimento direto dos fãs.

Este artigo foi escrito por Sonia Chien em colaboração com How Music Charts. Tendências musicais no Digital Music News são fornecidas pela Chartmetric.

Em 28 de janeiro de 1977, a banda inglesa de punk rock Buzzcocks lançou seu primeiro lançamento, um EP chamado Arranhão Espiral. Para todas as bandas punk que circulavam pelo Reino Unido na época este lançamento foi único por ser totalmente independente — pelo próprio selo da banda Novos hormônios. Depois de pegar emprestado um £ 500 coletivos de familiares e amigoso grupo prensou 1.000 exemplares para cobrir o custo do empréstimo — e acabou vendendo mais 15.000.

Arranhão Espiral também alcançou o Top 40, tornando-se o primeiro disco na história da indústria musical a atingir o pico de popularidade como um trabalho independente lançado por conta própria. Seguiu-se uma onda de pequenas gravadoras independentes britânicas. Isto foi significativo em termos de distribuição – antes do estabelecimento das editoras independentes, era impossível para os artistas colocarem a sua música nas lojas de discos sem assinarem contrato.

Os Buzzcocks quebraram a barreira ao se tornarem a verdadeira definição de artistas indie, incorporando a mentalidade DIY ao formar seus próprios meios de distribuição e provar a outros músicos que, desde que a música fosse boa o suficiente, você realmente poderia fazer tudo sozinho. Isso serviu para solidificar a definição tradicional de artista independente – ou seja, um artista produzindo música de forma independente de um rótulo comercial.

Pode-se dizer que os Buzzcocks foram os criadores da “música indie” – no sentido de uma abordagem DIY, underground e de baixo orçamento para a criação e distribuição musical. As origens da “música indie” como som podem ser mais difíceis de definir, descreve o jornalista musical, professor da NYU e co-apresentador do podcast Pop ativado Charlie Harding.

“De muitas maneiras, “indie” (como som) é tão vago quanto “pop””, disse ele Gráficométrico. “Mas foi nos anos 2000 que o indie realmente floresceu. Havia um som pop chiclete muito forte e, ao mesmo tempo, a indústria estava processando estudantes universitários por baixarem coisas no Napster. Então o indie era uma postura contra tudo isso.”

O indie como gênero também abriu caminho para muitos sons experimentais da época que podemos considerar mais mainstream hoje. “Desprezo indie” foi cunhado na década de 2020 para descrever bandas como The Strokes, LCD Soundsystem, Arctic Monkeys e The Libertines – bandas de indie rock que assumiram riscos criativos e colocaram novos estilos em primeiro plano.

Como também revelou esta época de florescimento do género indie, o indie como som e o indie como filosofia criativa podem significar coisas muito diferentes, ou pelo menos não estar em completa sobreposição.

“Uma banda como Fim de semana de vampiro é um ótimo exemplo, pois parece representar o ethos, a geografia e o conjunto de pessoas em torno da cena indie do Brooklyn nos anos 2000. Mas eles estão na Columbia”, descreveu Harding.

O que Indie significa hoje?

Na era digital, a brilhante novidade da independência desapareceu até certo ponto para os artistas “indie” – com ou sem contrato com uma gravadora independente. Artistas de todos os níveis são mais responsáveis ​​do que nunca pela sua presença digital nas redes sociais e plataformas de streaming. Eles são trabalhando em home studios com equipamentos de alta qualidade. E eles são retendo cada vez mais direitoscontrole criativo e moldar sua carreira em um molde adequado a eles e à sua equipe.

“A distinção da independência não tem o mesmo peso cultural que tinha há duas décadas”, descreveu Harding. “Agora é tipo: quais acordos de marca você tem? Com ​​quem você está colaborando? Como você está fazendo seu trabalho funcionar?”

Embora a fisicalidade do DIY na cultura da música indie certamente ainda exista no espaço de rótulo comunitário – como os artistas que lançam seus próprios discos e fazem seus próprios produtos – parece que o “ethos indie” mais relevante para os artistas hoje em dia é a mentalidade DIY de construção de carreira em espaços digitais, como criando comunidades on-line por meio do Discord e do Substack e construindo uma presença única na mídia para se conectar aos fãs.

Neste sentido de “indie”, artistas self-made em qualquer nível de popularidade poderiam ser considerados como tal.

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Conforme indicado por esta divisão dos 1000 melhores artistas pela Chartmetric Score em 2024, os artistas independentes representaram 41%, em comparação com 59% dos artistas contratados por grandes gravadoras – não muito longe de meio a meio. Para artistas independentes, esse número aumentou 13% em relação a apenas cinco anos atrás.

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A capacidade dos artistas de se tornarem sua própria pequena organização de mídia e ganhar força de forma independente antes de assinar qualquer acordo idealmente, dá-lhes vantagem, o que é importante e necessário num espaço tão competitivo. Ao mesmo tempo, o próprio facto de todos terem a oportunidade de obter esta vantagem torna a concorrência ainda mais acirrada.

As oportunidades aparentemente infinitas disponíveis no espaço digital – bem como a resultante desconstrução e reconstrução das estruturas de negócios tradicionais – também confundiram os limites quando se trata do que constitui um “artista indie”.

“Isso é pura especulação, mas talvez a ideia de independência seja esteticamente mais importante do que o status de sua gravadora”, teorizou Harding. “Você é visto como alguém cuja mídia social é autêntica? Alguém como Charli xcx — independente, forte, orientando sua carreira. Ou Rem Lobo – ela exala uma sensação de criatividade desenfreada. Suspeito que a indústria da música esteja trabalhando duro para influenciar sua abordagem.”

Indie e descentralização

À medida que a descentralização do mercado progrediu e a indústria se tornou cada vez mais fragmentado por meio de conteúdo personalizado e comunidades de nicho, isso também estabeleceu um terreno fértil para um novo ecossistema independente.

Em parte devido à atenção desviada da monocultura, muitos artistas conseguiram criar bases de fãs sustentáveis ​​de um ou dois milhões de pessoas – pequenas batatas no grande esquema das coisas, mas potencialmente suficientes para um pequeno artista ganhar a vida no meio de uma comunidade de fãs dedicados.

A quantidade de imprensa que um artista recebe nem sempre está diretamente relacionada ao tamanho de seu público. Pegar 2hollisque após o lançamento de seu álbum estrela neste mês de abril houve uma explosão de seguidores no Spotify. Comparado a um artista como Mk.gee – cujo álbum de 2024 Duas estrelas e a polícia dos sonhos sem dúvida teve uma presença maior na imprensa musical tradicional e aclamação de influenciadores como Margeaux Labat – 2hollis não recebeu tanta atenção generalizada. E, no entanto, seus ouvintes mensais no Spotify já ultrapassaram os de Mk.gee, e seus seguidores estão atrás dos de Mk.gee por apenas cerca de 100.

Parte da força de 2hollis é a sua imagem identificável. Seu inconfundível longo cabelo loiro, bem como pequenos detalhes como brincos inspirados em Howl’s Moving Castle e associações com Skrillex e Drain Gang contribuem para uma forte presença digital.

“O jogo independente está mais forte do que nunca”, descreve Don Cannon, ex-vice-presidente da Def Jam e cofundador do selo Generation Now. “Os artistas estão a agir de forma mais inteligente – estão a construir negócios reais, a aproveitar a tecnologia e a aproveitar grandes oportunidades sem perder a sua liberdade. A independência já não é apenas uma opção – é o modelo.”

O aperto indie
Em 2025, mais de 50% da música consumida nas principais plataformas vinha de artistas independentes. E em 2024, os artistas independentes representaram 35% das receitas globais de música gravada, totalizando 127 mil milhões de dólares.

Mas ao mesmo tempo que há crescimento e promessa para os artistas independentes, há pressões económicas. O aumento dos custos de produção, tarifas, vistos, redução dos gastos dos fãs, despesas de viagem, bem como a desmonetização do streaming estão a tornar mais difícil para os artistas independentes ganharem a vida com a sua arte.

Com a monetização tão baixa, muitos artistas independentes também estão optando por sair da cultura de streaming – com artistas como Deer Hoof, King Gizzard & The Lizard Wizard e Xiu Xiu sendo alguns dos mais recentes músicos a retirar suas músicas do Spotify – ambos em protesto contra os baixos retornos e o CEO do Spotify, Daniel Ek, investindo € 600 milhões na empresa de defesa militar de IA Helsing.

 

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Quem detém o poder?

Ao mesmo tempo, porém, os artistas independentes têm um superpoder que operações maiores, como as grandes, podem achar mais difícil de compreender – ou seja, o seu potencial para conexão com suas comunidades de fãs. A força da comunidade online de fãs de um artista desenvolveu-se rapidamente como um dos fatores mais importantes que impulsionam carreiras artísticas sustentáveis ​​na era da Internet. E através de um envolvimento pessoal significativo, os artistas independentes têm a capacidade de cuidar dos seus fãs como os grandes artistas não conseguem.

Artistas menores e de nível médio também estão vendo uma porcentagem de crescimento muito maior do que artistas de especialidades. De acordo com uma amostra de artistas de nível médio com 1) uma classificação Chartmetric entre 12k e 35k e 2) que cresceram pelo menos 20% em 2024, mais de 90% desses artistas eram artistas independentes, em comparação com menos de 10% de grandes gravadoras.

Os artistas majors provavelmente terão um crescimento bem menor se já estiverem estabelecidos, em comparação com os próximos indies. Esta diferença percentual, no entanto, parece bastante surpreendente e pode sugerir algum grau de estagnação entre os grandes artistas (afinal, Taylor Swift está crescendo, apesar de já ser enorme. Por que não outros grandes artistas?)

No final das contas, artistas emergentes e consagrados enfrentam alguns dos mesmos problemas promocionais, como lutando com o algoritmo. Será que os artistas independentes têm vantagem competitiva neste aspecto – no que diz respeito ao seu potencial para se conectarem a comunidades de fãs?

É claro que “indie” não é sinônimo de “sem recursos”. Todo artista precisa de uma equipe para chegar lá.

Como Nick Raphael, anteriormente da Capitol Records UK, descreveu em uma entrevista: “círculos concêntricos de crença” são o que faz um artista passar de desconhecido a conhecido.

“Há um momento incrível de música acontecendo onde a seção intermediária fica cada vez maior”, observou Raphael. “(E) você precisa de uma equipe de crentes. Quanto mais pessoas ao seu lado, mais chances você terá de ter sucesso.”

“Talvez estejamos caminhando em direção à utopia indie”, Harding também descreveu para Gráficométrico. “Quero dizer, eu gostaria que as pessoas ganhassem melhor. Mas acho que o termo “cena indie” é essencial. Porque é um conjunto de relacionamentos. O público, os fandoms, os críticos e os próprios músicos. E a única coisa que parece funcionar é o relacionamento direto com o fã, e essa conexão. Não importa o tamanho que você seja – se você é o maior artista do mundo hoje – você tem que ter esse relacionamento.”

Fonte ==> Billboard